Disciplines

Souvent, les enfants disent: " je veux faire de la vraie danse". Mais qu'est- ce que la vraie danse?

Il faut savoir que depuis 1989, nous n'avons plus le droit de faire de la technique pure avant l'âge de 8 ans. Un diplôme d'état a été mis en place au même moment pour éviter les abus...

Tout ce que l'on peut faire en éveil et en initiation servira plus tard à l'élève. Par exemple,la marche du cheval aboutira au retiré.

Le côté ludique n'empêche pas la danse, bien au contraire. On aborde la technique avec l'enfant en lui enseignant les grands principes de base qui définissent la danse en général: placement, locomotion, équilibre, chute, saut... sans aucune codification.

Déroulement des cours

L'échauffement se fait principalement au sol pour préserver le dos des enfants. Ceci pour obtenir à la fin de l'initiation un placement le plus correct possible.

 Les cours sont basés sur différentes approches et de nombreux développements.

    1.   L'éveil et le développement corporel et moteur

         Prise de conscience du corps (squelette, muscles, respiration)

     2.   L'éveil et le développement sensoriel et perceptif

        Jeux avec des matières et des objets.

   Exercices favorisant la perception auditive (grave, aigu, rythme...).

     3.   La connaissance d'éléments du langage chorégraphique

        Apprendre à se séparer dans l'espace: ou vais-je? ou suis-je dans l'espace?

       Comprendre la qualité d'un mouvement: brusque, léger, ample, rapide...

     4.   Son épanouissement à travers la créativité

        A partir de consignes données, l'enfant pourra donner libre cours à son imagination.

       C'est lui donner la possibilité de s'épanouir en réalisant queque chose pour lui-même.

     5.   Savoir se situer et exister dans un groupe

           Respecter, écouter, échanger... avec les autres.

  L'élève apprend à se servir de son corps comme moyen d'expression, d'action et de communication. 

      6.   Retour au calme à la fin du cours

           Savoir faire le silence pour se détendre et favoriser la relaxation.

 Enfin, que le cours de danse soit un moment d'émerveillement, de curiosité, d'enthousiasme pour   l'enfant parmi les autres.

 La danse classique est sans doute la "Mère" des autres danses, la base de toutes les autres techniques avec laquelle on peut aborder ensuite, toutes les disciplines.

 Les cours intègrent trois notions primordilales:

- La rigueur réputé qui lui est propre et qui se porte sur la discipline physique et sur la volonté de se surpasser.

-La posture qui aide chaque élève à se tenir droit indépendamment des niveaux et qui prédispose à la sylhouette typique du danseur de Ballet.

-le sens artistique motivé par la créativité de chacun, a une part indispensable au sein de

CEL DANSE &ART et spécifiquement pour la danse classique. Nous tenons à provoquer cet élan créatif en utilisant des Ballets de répertoires connus.

Cet art est souvent synonyme de grâce, de fluidité, de légèreté, mais aussi de tenue.

Pour atteindre cette aisance, on apprend à se placer (l'en dehors, l'alignement tête, cage thoracique, bassin...) mais aussi les bases techniques les plus simples (le plié, le dégagé...) comme les plus complexes (la pirouette, le grand jeté...) ainsi qu'un vocabulaire approprié.

Néo-classique

La danse néo-classique, est basé sur la danse classique, mais possédant quelques modifications telles que les positions angulaires, articulations brisées, sorties d'axe, parallèles etc...

C'est la danseuse américaine Isadora Duncan, qui révolutionna la danse classique, mais ce sont aussi Georges Balanchine et Serge Lifar qui ont revendiqués l'appellation Néoclassique pour qualifier leur genre chorégraphique.

 Une conception de la danse du XXeme siècle , avec les Ballets Russes de Serge de Diaghilev.

 C'est Maurice Béjart  qui aurait pû en parler le plus , car il a été un des plus grands pionniers de cette discipline .

Le Néoclassique , c'est du classique mélangeant aussi du moderne .

Tout savoir sur les pointes de danse classique

Acheter ses premières pointes est un moment spécial pour une jeune danseuse. Commencer le travail sur pointes est un signe de maturité technique et rien n’est plus extraordinaire que d’enfiler ses premiers chaussons.

Le professeur de danse est la seule personne qui pourra vous indiquer si vos pointes sont adaptées. Découvrez avec moi comment choisir ses pointes de danse classique.

Comment les pointes doivent-elles être portées ?

– Les pointes doivent être portées très ajustées. En effet, des pointes trop grandes empêchent la danseuse de maitriser ses mouvements et risqueraient de provoquer des blessures…

– Une pointe est adaptée si les orteils sont à  plat dans la boîte et alignés les uns à côté des autres.

– En pointe, on doit pouvoir pincer le tissus à l’arrière du talon de manière à avoir environ ½ cm maximum.

– La danseuse doit pouvoir monter en pointe sur la totalité de la plateforme:

Si elle ne peut pas, la semelle (ou cambrion) est certainement trop rigide. Il faudra donc s’orienter sur une semelle plus souple.

Au contraire, si la danseuse passe « par-dessus » la pointe, il faudra choisir une semelle plus rigide.

Des pointes adaptées aux jeunes danseuses

Comment les pointes supportent-elles le poids de la danseuse ?

Il y a 2 parties de la pointe qui, ensemble, permettent de supporter le poids de la danseuse :

– La boîte, qui tient les orteils ensemble et qui leur permet de tenir droits.

– La semelle (ou cambrion) qui est composée de plusieurs lamelles de bois ou de matériaux composites qui apportent la rigidité tout le long de la pointe et du pied.

Dans la pointe, il y a 2 parties : la boite et le cambrion

Quel est le rôle du professeur dans le choix des pointes ?

Le professeur vous aidera dans le choix des pointes en vous conseillant notamment  sur la dureté de la semelle (ou cambrion). Il pourra vous demander de voir les premières pointes choisies pour les valider.

Vous, votre conseillère pointes et le professeur forment la meilleure équipe pour que les premiers cours de pointes soient un succès.

Quand doit-on remplacer ses pointes ?

Les pointes doivent être remplacées dans plusieurs cas :

– La taille ne convient plus

– Le cambrion est totalement usé : un pied qui n’est plus soutenu suffisamment peut subir des dommages.

– La boîte est complètement usée (la boîte dans laquelle se glissent les orteils doit être également assez rigide pour permettre au pied d’avoir une position verticale correcte)

Un enfant qui débute les pointes et qui prend 1 cours par semaine ne changera ses pointes généralement qu’une seule fois dans l’année et souvent pour des raisons de taille. Des danseuses plus assidues devront les changer plus souvent.

Les danseuses professionnelles peuvent changer leurs pointes jusqu’à 1 fois par ……acte ……au cours d’un ballet !

Comment entretenir ses pointes?

La plupart des pointes sont fabriquées avec des matériaux naturels qui réagissent mal à l’humidité. Il ne faut donc jamais laver ses pointes !

1. Après un cours de danse, enlevez les embouts à l’intérieur des pointes

2. Sortez vos pointes du sac de danse  et laissez-les sécher à l’air libre.

3. Pour les danseurs qui utilisent leurs pointes tous les jours, il est recommandé d’avoir 2 paires pour alterner et que les pointes aient le temps de sécher entre les cours.

Pour changer vos pointes, demandez conseil à votre professeur de danse

Comment préparer ses pointes ?

Une fois vos pointes choisies, vous devrez coudre des rubans et des élastiques afin qu’elles se maintiennent à votre pied.

Les rubans : vous aurez le choix entre des rubans en coton ou en satin.

Ils se fixent de chaque côté du chausson (voir page suivante)

Les élastiques : ils vont tenir l’arrière du chausson et éviter au chausson de glisser en demi-pointes. L’élastique se fixe à l’arrière du chausson.

Comment coudre les rubans ?

La méthode pour coudre les rubans de ses pointes de danse

Comment coudre les élastiques ?

La méthode pour coudre les élastiques de ses pointes de danse

De quoi d’autre aurez-vous besoin ?

Pour protéger les orteils, on peut utiliser des embouts de protection.

Les embouts sont en silicone, en gel, en tissus ou en mousse.

On pourra également utiliser des protections telles que le coton cardé (disponible en pharmacie)

Certaines danseuses préféreront ne pas mettre d’embouts mais uniquement protéger les orteils les plus sensibles avec du sparadrap.

Seul le professeur pourra définir si l'élève est prêt à monter sur pointes !

LA BARRE À TERRE (de 8 à 99 ans)

Le professeur de danse Alister Noblet a eu le privilège d’avoir appris pendant des années la technique de barre à terre original. En effet, son professeur était l’élève du créateur de la barre à terre : Boris Kniaseff. 

L'objectif principal de La barre à terre consiste à renforcer sa musculature dans un contexte d'étirement, en maîtrisant sa respiration. Les étirements se font dans le relâchement et la souplesse s’acquiert petit à petit. La barre à terre est un très bon complément au cours de danse. Il permet de comprendre les mécanismes complexes de la technicité de la danse classique (l’allongement des muscles, la rotation en dehors, la tonification ciblé des muscles déterminants pour progresser, la posture longiligne et élancée qui aident au maintien du corps…)

La réalisation des exercices au sol délivre des contraintes de la gravité, en permettant d'isoler les parties du corps, de libérer les tensions et de trouver un bien-être dans le travail. La position allongée protège des blessures du dos tout en permettant de travailler son alignement et sa musculature.

Aujourd'hui le succès de cette discipline se confirme chaque jour un peu plus, autant auprès des professionnels que des amateurs. 

Tout le monde peut bénéficier des bienfaits de la souplesse ou (stretching) et de la relaxation

Reconnexion avec toutes les zones de son corps, potentiellement oubliées avec le temps

Retour au calme intérieur

Évacuation du stress

Prévention des douleurs articulaires et musculaires (torticolis, mal de dos,…)

En effet, “plusieurs études ont révélées que les étirements même de courte durée, augmente l'amplitude du mouvement autour d'une articulation et réduisent la raideur du muscle et  le risque de micro-traumatismes musculaires» souligne Anthony Kay (maître de conférences en biomécanique du sport et de l'exercice à l'Université de Northampton)

C'est une discipline “douce”, on ne cherche pas la performance à tout prix, chacun avance à son rythme en écoutant son corps qui nous prévient quand on atteint nos limites.

Le stretching ne doit pas être douloureux ! Attention donc à ne pas forcer sous peine de déchirure ou élongation du muscle.

Enfin, il peut être pratiqué avec ou sans matériel,  et surtout: à tout âge…!

C'est quoi la danse Contemporaine ?

La définition de Contemporain signifie "de notre époque", "actuel". Elle se nourrit avec le temps de son histoire mais aussi de l'expérience et la personnalité de ceux qui la vivent et la construisent. Ce qui implique, en danse, un champ très large d'ouverture (d'où la diversité de sa représentation).

Les principes fondamentaux de la danse contemporaine s'axent autour de l'expérimentation du Temps, de l'Énergie, du Poids, de l'Espace, de la sensation*. 

*Rudolph Laban (danseur, pédagogue, théoricien) invente une notation du mouvement et des principes fondamentaux en mettant le corps en  relation à l'espace, au temps, à l'énergie, au poids, au rythme et à sa relation à son environnement. Il imagine le danseur dans une kinesphère dont il est le centre et définit le mouvement sur 3 plans : la porte (vertical), la table (horizontal), la roue (sagittal).

L''histoire permet aujourd'hui à la danse contemporaine d'exister et d'être en perpétuel évolution avec le monde actuel, questionnant les relations humaines et l'environemement dans lequel nous vivons. 

Donc la danse contemporaine se veut différente. Il est question de liberté, de nouveauté, de création et de recherche.  Son espace de représentation va s'ouvrir et prendre place dans différents lieux publics et environnementaux.  Elle se métisse donc aussi parfois avec d'autres arts (comme le théâtre, l'architecture, la vidéo, la littérature, la peinture, les arts plastiques, le cirque…).

"Par l'art seulement nous pouvons sortir de nous-même. (...) Grâce à l'art, au lieu de voir un seul monde, le nôtre, nous le voyons se multiplier, et, autant qu'il y a d'artistes originaux, autant nous voyons de mondes à notre disposition (...)"

 Marcel Proust

La danse moderne

mise beaucoup sur le rapport unique de l'être humain à l'égard de son corps. De plus, la relation entre le corps et l'univers terrestre qui l'entoure est très exploitée. Les chorégraphes font souvent l'éloge de la beauté des corps et les utilisent afin d'exprimer des sentiments profonds. La compréhension d'une chorégraphie moderne repose presque entièrement sur les ressentis du spectateur. Au lieu de montrer une technique et une esthétique parfaites, la danse moderne montre le réalisme de la vie et de tout ce qui la rend unique.

D’un point de vue technique, la danse moderne est une danse dite « dans le sol », c’est-à-dire qu’elle inclut des séquences de mouvements sur jambes pliées, par opposition à la danse classique, laquelle pourrait être qualifiée « d’aérienne ». Elle est caractérisée également par l'utilisation de positions de pieds et de bras parallèles.

Un peu d'histoire

La danse moderne repose sur deux pionnières américaines, Loie Fuller et Isadora Duncan. Les prémices de la danse moderne remontent aux années 1870 avec ces deux danseuses et chorégraphes qui rompent les codes classiques avec un rapport au sol, et une danse moins dans la virtuosité, dans la grandeur, ainsi que des pas qui ne sont pas à l'extérieur et en pointe.

Le berceau de la danse moderne est l'école américaine créée par Ruth Saint Denis et Ted Shawn en 1915, la Denishawn School, qui formera des danseurs connus comme Martha Graham, Trisha Brown ou Doris Humphrey.

La danse moderne donnera naissance à la danse post-moderne (1950-1980) et par la suite à la danse contemporaine.

La danse moderne arrivera en France dans les années 1980.

Le Modern Jazz : qu'est-ce que c'est ? La danse Modern Jazz est née au milieu du XXe siècle, de la rencontre entre les danses africaines et les danses européennes. À l'origine, elle provient des danseurs afro-américains. Née de leur histoire, elle est caractérisée par la liberté d'être, la gaieté, la fête.

Particularités: 

Application d’une grande variété de caractéristiques :

Dans ce style, la mobilité du torse est très importante. La position des pieds en parallèle est caractéristique, contrairement aux pieds en première position (pivotés) du ballet.

Dans cette danse la plupart de ses pas sont sur le sol, comme celui qui dit est une danse terrestre, dans lequel vous devez sentir la musique et exprimer vos sentiments.

La flexibilité est un élément très significatif.

Les éléments de la musique jazz sont le symptôme, le style individuel et l’improvisation. La danse jazz originale a pris ces mêmes éléments

Le moderne jazz se veut harmonieux, sensuel et parfois même acrobatique. C’est un rythme très sportif et considéré comme un sport, qui présente toutes les formes de danse se mélangeant avec le jazz et le rythme afro-américain. C’est une danse qui présente le mélange de plusieurs cultures. Le moderne jazz se caractérise par la coordination et l’isolation des mouvements. Le rythme du moderne jazz favorise l’expression personnelle du corps et la communication directe avec le spectateur. La danse permet d’exprimer des mouvements pleins de sensualité tout en gardant l’harmonie des positions. Sa forme artistique est facile à appréhender.

Techniques

La danse jazz, dans son évolution, qui n’a pas de techniques concrètes, se sert d’éléments techniques de la danse moderne et du ballet, tout en possédant son propre travail technique et surtout artistique, principalement en ce qui concerne la mobilité du torse et la dissociation du haut par rapport aux travaux des pieds et des jambes. Les contractions abdominales, le travail à terre, et la façon particulière d’entrer et de sortir du sol sont des caractéristiques fondamentales de cette discipline, surtout dans ce que l’on appelle "jazz moderne"

Cours collectifs obligatoires : Classique et moderne (ou contemporaine)

L'élève compétiteur,  devra  intégrer les cours collectifs  amateurs de CEL DANSE & ART selon l’âge et/ou le niveau.

Il est important de rester connecté avec un groupe de plus grand nombre et de mettre en application la technique travaillée en cours privés et particuliers.

Cours privés :

Les cours privés, ou autrement dit les cours réservés aux élèves compétiteurs visent à travailler en profondeur les techniques de Danse Classique et Moderne (ou contemporaine)

Le nombre d’heures de cours privés s'évalut tout au long de l’année au profit des cours particuliers afin de se concentrer sur les objectifs des concours.

Cours particuliers :

Nombre d’heures établies en fonction de l'évolution de travail au fil des trimestres, ce cours vise à la préparation des concours.

Les conditions d’admission diffèrent en fonction du sexe et de l’âge des candidats et du niveau, il est alors important de porter une attention particulière à chaque élève selon son projet.

Accompagnement :

Chaque élève choisit doit entrer dans ce cours avec des objectifs, et de la discipline.

Le responsable pédagogique de la discipline choisie pour un concours accompagnera chaque compétiteur mais aussi chaque parent en donnant les informations sur:

Les concours visés

Les formalités d’inscription aux concours

Les stages  de perfectionnement conseillés

L’avancement de l’élève en rapport à son objectif.

Le street jazz est une discipline à mi-chemin entre le hip-hop (aussi appelé New Style) et le modern jazz. Ce style demande une certaine attitude, ainsi qu'un travail sur l'énergie, le rythme, les silences et les arrêts. Il s'inspire généralement de musiques actuelles pop, voire électro.

 Les mouvements impliqués dans cette discipline ne font pas que travailler les muscles et aider à faire une bonne séance de cardio. Trente minutes de danse peuvent charger physiquement et mentalement un individu. Cette danse urbaine améliore l’activité cardiovasculaire et peut augmenter le taux métabolique, permettant ainsi de perdre des kilos en plus et d’obtenir un corps plus souple et plus agile. Le Street Jazz peut grandement améliorer le sens du rythme et de la coordination physique, en raison de ses changements rapides de rythme, ainsi que de ses séquences et motifs complexes.

Qu’est-ce que le Street Jazz ?

Le Street Jazz offre un style d’exercice improvisé et énergique qui permet aux participants de s’exprimer physiquement à travers une série de routines. Il a vu le jour au début du vingtième siècle, dans des villes du sud des États-Unis comme la Nouvelle-Orléans et Saint-Louis, et est devenu depuis un phénomène mondial.

Avec des mouvements fluides semblables au ballet, les danseurs de Street Jazz combinent des virages serrés, de grands bonds et un jeu de jambes rapide dans un spectacle mêlant à la perfection souplesse, élégance et grâce. Les danseurs interprètent la musique hyper rythmée qui les accompagne pour produire des pas et des rebondissements uniques à leur manière. Les routines de ce style de danse s’appuient sur le contrôle du centre de gravité d’où tous les mouvements proviennent pour conserver l’équilibre pendant les manœuvres difficiles.

Comme on peut l’imaginer, tous ces mouvements font du Street Jazz un entraînement énergique et amusant! En outre, il existe de nombreux avantages pour la santé avec cette dance, y compris une force accrue, une plus grande flexibilité, une meilleure coordination et une endurance hors pair.

Renforcement de la force musculaire

Un avantage du Street Jazz est la force accrue qu’il procure. La nature énergique et corsée de cet exercice de fitness développe la force des bras lors du travail au plancher, la force des jambes lors des sauts, et la force du noyau dans la coordination des membres. Il suffit de participer à un cours pour voir son corps entier renforcé. Avec ses sauts et ses pas agiles réglés sur des arrangements musicaux frénétiques, le Street Jazz est idéal pour développer la force musculaire, en particulier dans le bas du corps. La puissance explosive est nécessaire pour les sauts et les rebondissements, et par conséquent les muscles du mollet et les quadriceps de l’interprète se forment rapidement.

Développement de l’équilibre et de la grâce

Pour ceux piétinent maladroitement dans la vie de tous les jours, le Street Jazz pourrait bien être l’activité qui les aidera à bouger plus vite. Développer l’équilibre et la grâce avec ces mouvements légers et ces pas rapides comme l’éclair est un must. Le danseur sera en mesure d’atteindre un meilleur équilibre en un rien de temps.

Augmentation des niveaux de concentration

Pour ceux qui déambulent dans les rêveries, en regardant par la fenêtre au travail ou en pensant aux plages tropicales, le Street Jazz pourrait aider à améliorer leur concentration. Exigeant de grands degrés d’autodiscipline et de puissance de la mémoire, les routines de cette danse combinent un certain nombre de pas et de tours complexes. Elle ne fait pas que défier les danseurs physiquement. Elle les défie aussi mentalement. Mémoriser une routine de danse exige une extrême concentration pour se souvenir de ce qui vient ensuite dans une série de mouvements impliquant des virages, des rebondissements et des sauts. Le processus de mémorisation de la routine les amène à être plus vigilants et plus concentrés.

Une meilleure flexibilité dans les bras et les mains

Comme avec beaucoup de formes de danse, la flexibilité est également augmentée avec ce style de danse. Le Street Jazz consiste en des séquences d’étirement qui allongent les plus gros muscles des jambes et du bas du dos. La flexibilité et l’amplitude des mouvements seront également augmentées dans les hanches, les épaules et la colonne vertébrale. Le Street Jazz exige une bonne flexibilité dans les bras et les mains, avec une variété d’expressions, dont la très célèbre pose de mains du jazz issue des mouvements libres. Cette flexibilité s’accroitra avec la pratique régulière de la chorégraphie.

Une coordination accrue

Les étapes et les combinaisons stimulantes, dans lesquelles les membres supérieurs et les membres inférieurs sont parallèles et contrastent de nombreuses façons, créent une coordination accrue chez les danseurs de jazz. Il suffit de se rappeler le défi que constitue le fait de se frotter la tête et de tapoter son ventre en même temps. Cette tâche devient simple pour les danseurs de Street Jazz qui apprennent des modèles rythmiques complexes. De plus, avec les mouvements légers et les pas rapides, le danseur développera l’équilibre et la grâce et une meilleure coordination en un rien de temps.

Amélioration de la santé cardiovasculaire

Les mouvements interprétés dans le Street Jazz sont rapides et nécessitent un effort physique extrême. Aérobic par nature, cette danse développe des muscles plus forts et une endurance physique. Lorsqu’on est sur la piste de danse pendant un cours de Street Jazz, on exécute de longues séquences de mouvements difficiles qui accélèrent le rythme cardiaque et laissent transpirer. La danse construit l’endurance cardiovasculaire, permettant au danseur de profiter d’autres types d’exercices physiques.

Amélioration de l’humeur

Prendre des cours de Street Jazz permet au danseur de mettre de côté un peu de temps chaque semaine pour se concentrer sur sa santé. En augmentant son rythme cardiaque et en l’aidant à se concentrant sur la routine qu’il apprend, cet exercice lui donne le temps d’abandonner le stress du monde extérieur et de profiter de la musique et des mouvements de la danse. Participer à un exercice cardiovasculaire stimule également le cerveau des danseurs à libérer des hormones naturelles de bien-être comme la dopamine et la sérotonine. Lorsqu’ils sont libérés, ces produits chimiques provoquent des sentiments de plaisir, de bonheur et de bien-être général qui sont bénéfiques pour la santé mentale et émotionnelle.

Quelle tenue ? Pantalon large, leegings, tee-shirt, rien qui n'entrave la taille ! baskets de rigueur.

Le ragga dancehall

s’inspire d’un mélange du raggea et de la danse africaine. La Dancehall est un style de danse né dans les rues de Jamaïque. Inspirée de steps africains, elle évolue au rythme des courants musicaux jamaïcains. Les steps afro-jamaïcains viennent s’enrichir de mouvements hip hop et d’attitudes alliant énergie et sensualité.

Plus qu’une danse, une culture. Le Ragga est le terme qu’on utilise pour spécifier le fait qu’on créée une chorégraphie avec les steps de Dancehall, l’inspiration et la créativité que l’on souhaite.

Elle nécessite et développe des qualités physiques telle que la souplesse, la force, la coordination, mais aussi une bonne oreille musicale et du feeling. Le Ragga-Dancehall est à la fois un genre musical et une danse inventée à Porto Rico, dans les grandes Antilles, au début de l’an 2000.Sensualité, attitude, énergie, style, énergie, sont les principales caractéristiques du ragga dancehall. Ces danses se caractérisent par des déhanchements sensuels et rythmés. Elles constituent un langage corporel de séduction tant pour les filles que pour les garçons, et permet un relâchement total et par là même occasion une évacuation du stress et de la nervosité.Enfin, ces danses permettent aux sportifs d’exploiter les possibilités infinies de leur corps par la maîtrise du rythme et du mouvement.

Quelle tenue ? Pantalon large, leegings, tee-shirt, rien qui n'entrave la taille ! baskets de rigueur.

La danse hip-hop désigne plusieurs formes de street dance principalement effectuées dans la musique hip-hop et catégorisées dans sa culture. Elle dénombre plusieurs styles de danses tels que le breaking, le locking, la house et le popping créé dans les années 1970 et popularisé par les dance crews (en) aux États-Unis.

Les danses hip-hop

La danse hip-hop distingue, elle aussi, plusieurs disciplines que l’on « classe » en 3 catégories.

 1. Les Danses debout

qui comme son nom l’indique, rassemblent tous les styles de danses hip-hop qui se dansent… debout.

Une multitude de styles existent parmi les danses debout. Nous allons citer ici les plus influents, mais il faut savoir qu’il existe à peu près autant de styles de danses que de danseurs hip-hop (c’est à dire énormément) et c’est ce qui fait la richesse de cette culture.

Nous commencerons par les trois mouvement considérés aujourd’hui « Old School » car leur émergence précède les années 80/90.

– Le Locking : style initié par Don Campbell (le fondateur des Lockers) à la fin des années 1960 sur la côte Ouest des Etats-Unis. Le locking décline de nombreuses techniques qui repose sur un travail avec les articulations des bras, des jambes et des poignets.(A 1min30)

– Le Popping : initié par Boogaloo Sam (le fondateur des Electric Boogaloo) sur la côte Ouest américaine à la fin des années 1970, le popping fut popularisé par une émission de télévision américaine « Soul Train ». Il consiste en des micro-contractions des muscles qui sont combinés à des déplacements plus ou moins rapides.

– La Hype : Née à la fin des années 80, début des années 90, la danse Hype développe un aspect plus chorégraphié et dégage une impression de force par la synchronisation des danseurs. Parfois dite danse de « clip », elle s’inspire de divers influences comme la danse africaine, jazz…

Voici celles que l’on retient dès les années 90 :

 – La House Dance : Elle est née dans les clubs de la côte est des Etats-Unis et s’inspire du locking, du popping, ou du break jusqu’à la salsa et les danses africaines.

- Le Krump : un peu inclassable, c’est un style qui est apparu des les années 90 dans la région de Los Angeles. Danse qui caricature l’agressivité pour la retourner. Elle est exécutée par des mouvements rapides et frénétiques. Elle a connu une forte médiatisation grâce au film « Rize » de David La Chapelle. Certains l’excluent du mouvement hip-hop, mais il s’est cependant créé sur le même fondement que le mouvement Hip-Hop : une réaction pacifiste face aux violences des gangs. En savoir plus sur le Krump

2 : Le Breakdancing, Breaking ou Bboying

représente la version la plus répandue et médiatisée de la danse hip-hop, celle où, dans l’imaginaire commun, les danseurs « tournent sur la tête ». Les danseurs de cette discipline (B-boys et B-girls) exécutent des figurent acrobatiques au sol.

3 : La Newstyle

plus tardive annonce l’ère des mélanges et des non-règles. Il s’agit d’un style hétéroclite où chacun s’inspire et s’exprime à sa façon. Le terme « New » ne signifie pas Nouveau mais vient de « New-York », berceau de ce mouvement.

Le développement d’un style hip-hop émerge de la volonté du danseur qui l’initie. Un danseur se découvre plusieurs inspirations, provenant d’autres danses et de son propre vécu, qu’il concentre dans une danse unique en son genre. Il décide de la diffuser, notamment lors de battles* pour qu’elle soit remarquée, reprise, transmise, bref, il s’agit de lui donner une légitimité dans le milieu Hip-Hop.

* terme masculin qui désigne des rencontres de danses hip hop dans lesquels les danseurs se défient. L’idée de défi artistique est primordial dans la danse hip-hop et fait partie intégrante de la pratique de la danse.

Le breakdance,

également appelé break dance, break, breaking, breakdancing,

 b-boying terme privilégié aux États-Unis  est un style de danse développé à New York dans les années 1970, caractérisé par ses mouvements de corps saccadés, son aspect acrobatique et ses figures au sol. Un danseur de breakdance est appelé breakdancer, Bboy ou b-boy (pour un homme), Bgirl ou b-girl (pour une femme).

La danse de cabaret, qu'est-ce que c'est ? Danse glamour, sexy mais pas vulgaire, la danse de cabaret regroupe plusieurs genres. Ainsi, on peut aussi bien la pratiquer avec des accessoires (comme une chaise) que sans (comme avec le french cancan). ... Cette danse fait partie intégrante du patrimoine culturel français.

LES BIENFAITS DE LA DANSE DE CABARET

Cette activité fait, avant tout, du bien au mental : en dansant comme les danseuses de cabaret, on gagne en confiance en soi et en assurance. Sur le plan physique, le corps est tonifié et la silhouette galbée. Pour Ivana, on peut commencer la danse de cabaret dès l'âge de 15 ans.

DANSE DE CABARET : COMMENT SE DÉROULE UN COURS ?

Un cours de 1h à 1h30 à suivre une fois par semaine se compose de deux parties :

-15 à 20 min d’ échauffement afin de se mettre progressivement dans l’ambiance avec de la musique. C'est une première approche vers la chorégraphie.

-45min à 1h de chorégraphie

La comédie musicale 

est un genre théâtral, mêlant comédie, chant, danse et les claquettes. Apparue au tout début du xxe siècle, elle se situe dans la lignée du mariage du théâtre et de la musique classique qui avait donné naissance aux siècles précédents au ballet, à l'opéra, à l'opéra-bouffe et à l'opérette. Elle s'est particulièrement développée aux États-Unis, se dissociant à partir des années 1910 du genre classique par l'intégration de musiques « nouvelles » comme le jazz. De fait, le terme évoque de nos jours principalement les États-Unis et plus spécialement Broadway.

En ce qui concerne la tenue, choisissez des vêtements de sport mais qui sont près du corps… Autrement dit, on évite le jogging ample ! Les cours se font en baskets pour les débutantes et en talons pour les plus avancées. 

La danse abstract est un mélange de contemporain, de hip-hop et de jazz. 

 l'entraînement physique,  permet au pratiquant d'améliorer  sa condition physique et son hygiène de vie, dans un souci de bien-être.

Séance ciblée, mélangeant le cardio training et le renforcement musculaire visant à une préparation physique, une perte de poids, une tonification, une endurance, et un bien être.

Cette séance est proposé à la séance afin que chaque personne puisse avoir un plan de travail approprié et personnalisé .